Pain & Gain es la más reciente película del director estadounidense Michael Bay, reconocido mundialmente como el director de la trilogía de Transformers, una de las series más taquilleras de los últimos años. A pesar de su éxito en la taquilla, sus películas son frecuentemente criticadas por estar plagadas de clichés, personajes vacíos y estereotipados y por el desprestigio de la mujer a través de sus personajes femeninos. 

Protagonizada por Mark Wahlberg, Dwayne Johnson y Anthony Mackie, Pain & Gain cuenta la historia verídica de tres fisiculturistas que, en medio de sus respectivas crisis económicas deciden secuestrar a un hombre millonario y, mediante métodos de tortura, obligarlo a cederle al trío todo su dinero y pertenencias. 

A manos de un par de criminales experimentados, este plan repulsivo habría sido exitoso, pero “Daniel Lugo” (Wahlberg) y sus secuaces no son las personas más brillantes del mundo. De hecho, la idea principal con la que juega Bay es que son, en efecto, un trío de criminales en el que reina la estupidez y la incapacidad de tomar buenas decisiones. La idea coquetea con ser una crítica social, sin embargo, la crítica se convierte en una parodia plagada de los usuales fallos presentes en una película de Michael Bay. 

El humor racista, machista y simplemente fuera de lugar, asfixia el intento de comentario social que, trabajado correctamente, pudo haber convertido a Pain & Gain en la película ideal para el estilo excesivo del director de Transformers. Ninguno de los personajes femeninos representados en el filme aporta algo relevante, limitándose a lucir sus cuerpos y servir de juguetes sexuales para los protagonistas. Esto no es algo nuevo en una cinta de Michael Bay, quien es constantemente criticado por su idea de lo que representa la mujer. La actriz estadounidense Megan Fox expresó, tras su partida de la serie de Transformers, que se la hacía muy difícil trabajar con Bay por este mismo dilema. 

Los estereotipos están tan presentes como en una comedia de Adam Sandler y, al igual que en sus películas, resultan más irrespetuosos que cómicos. Cineastas como Quentin Tarantino han trabajado estereotipos a lo largo de sus carreras. Aunque no han estado exento de críticas, el director de Django Unchained ha dibujado una línea entre la crítica social con un toque humorístico y la explotación de estereotipos con el fin de hacer reír y ha sabido mantenerse en el lado seguro. 

Michael Bay, por otra parte, continúa faltándole el respeto a los fanáticos del buen cine y a los personajes que explota. En esta ocasión, el director va más allá e intenta darle un giro gracioso a una historia verídica que todavía está fresca en los recuerdos de los familiares de las víctimas de Lugo y su equipo.

En el aspecto técnico, Michael Bay sigue siendo Michael Bay. Los close ups durante las escenas de acción son tan recurrentes como los giros nauseabundos de 360 grados que suele utilizar excesivamente alrededor de los protagonistas. El trabajo de los actores, por su parte, es uno de los pocos aspectos positivos de la película, si partimos de que al menos parte de su comportamiento puede ser justificado por el hecho de que se trata de una historia verídica. Aunque es poco lo que funciona en el filme, es casi imposible reír ante las ocurrencias de lo que podrían ser los tres personajes más imbéciles que Michael Bay haya llevado a la pantalla grande.

Junto al calor del verano llegan las películas cuya meta principal es establecer récords de ventas alrededor del mundo. El año pasado el primer lugar fue para The Avengers, cinta que recaudó $207 millones de dólares en sus primeros tres días en cartelera. La primera candidata a ese puesto este año lo es la tercera entrega de Iron Man y la primera película en la segunda fase del universo cinematográfico de Marvel, que se verá completado en el 2015 con la secuela de The Avengers.

A cargo en esta ocasión del director y guionista Shane Black, el genio y millonario “Tony Stark” regresa a la pantalla grande para enfrentarse a un temible terrorista que se hace llamar “El Mandarín” (Ben Kingsley) y los recuerdos abrumadores de lo que vivió en Nueva York durante los eventos de The Avengers, los cuales amenazan con lastimar su relación amorosa con “Pepper Potts”. Con esto en mente, es seguro proponer que Iron Man 3 funciona más como una secuela de The Avengers que como la tercera parte de la serie.

El diálogo y humor característico del guionista de Lethal Weapon y Kiss Kiss Bang Bang están presentes desde el primer minuto de la película y se logra mantener el balance entre humor y acción, propio de la serie. Aunque es la más cómica de las tres, Black no permite que el humor exceda la acción, creando momentos jocosos en medio de escenas de acción que te transportan a películas como Lethal Weapon. Después de todo, este es uno de los grandes talentos de Shane Black; talento que le ha conseguido un gran número de admiradores que lo consideran uno de los guionistas más atrayentes de Hollywood.

Iron Man 3 explora más a Tony Stark que al hombre de hierro, algo así como el año pasado The Dark Knight Rises se concentró en un estudio del personaje de Bruce Wayne y dedicó menos tiempo al superhéroe. En esta ocasión, en lugar de presentar al egocéntrico y mujeriego al que estamos acostumbrados, Shane Black presenta un “Tony Stark” mucho más vulnerable, quien aún no logra superar los acontecimientos abrumadores de The Avengers. Aún así, la cinta no es tan oscura como los avances intentaron venderla al público.

Este enfoque, que limita el tiempo del hombre de hierro en escena, podría resultar en fanáticos decepcionados, especialmente los más jóvenes, quienes de seguro pagarán el precio de admisión para ver en acción a uno de los superhéroes más queridos. No obstante, muchos -como yo- , encontrarán este acercamiento muy ingenioso y agradable.

Otra de las sorpresas más agradables y refrescantes de la película es un gran giro de la trama a mitad de película, que fácilmente pudo haber arruinado el resto del filme. Afortunadamente, la genialidad con la que se ejecuta el guión y el excelente trabajo del elenco logran que esta decisión arriesgada funcione. Downey Jr., quien trabajó anteriormente con Shane Black en Kiss Kiss Bang Bang, demuestra una vez más que nació para el rol. Decir que es su mejor actuación como el superhéroe es casi subestimar su actuación, nada menos que magistral.

Aunque la tercera parte de esta trilogía funciona en muchos aspectos, Iron Man 3 falla a la hora de justificar las acciones del villano, cuyo plan nunca es claro. Las habilidades que poseen el villano y sus secuaces, punto importantísimo en la trama, nunca son explicadas. La herramienta simplemente existe, y lo único que sabemos es que no siempre funciona. Claro, al tratarse de una película de acción y comedia, uno acostumbra a dejar pasar fallos pequeños en el guión, siempre y cuando la película cumpla con su propósito; entretener. En esto, Iron Man 3 excede todas las expectativas y es un perfecto comienzo a un verano que promete ser uno de los más entretenidos en años.

Terrence Malick, director y guionista estadounidense, es para muchos uno de los mejores cineastas vivos, mientras que para otros es difícil de digerir. La razón de dicha división es que su estilo peculiar y poco convencional lo hace un cineasta poco accesible a la audiencia general. Si de algo no cabe duda, es que Terrence Malick es uno de los grandes innovadores del cine.

Su película anterior, The Tree of Life , sirve como ejemplo perfecto de una cinta con opiniones que van desde los que la consideran una obra maestra, hasta los que opinan que es lo peor que ha visto en años. Si de algo no cabe duda, es que sus películas estimulan la discusión entre cinéfilos, ya sea para elogiar o criticar sus cualidades.

Para algunos, el problema con Malick es que sus películas no cautivan a todos, limitándose a un pequeño grupo de seguidores que lo consideran un maestro de la narrativa, ya que complementa su peculiar narrativa con una cinematografía extraordinaria que pocos cineastas alcanzan en sus filmes. Este estilo es tan propio del director que, cuando es empleado por otro director, es irresistible referir o hacer comparaciones.

To the Wonder, su más reciente filme, cuenta la historia de Neil y Marina, una pareja que tras conocerse en la isla francesa de Saint-Michel, deciden mudarse a los Estados Unidos, donde empiezan a enfrentar problemas. Cuando Marina decide regresar a Francia, Neil se re encuentra con Jane (McAdams), un viejo interés amoroso con quien intenta formar una relación nuevamente. Por otra parte, un sacerdote interpretado por Javier Bardem se enfrenta a la debilitación de su fé.

En To the Wonder, Malick vuelve a deleitar al público con los visuales a los que nos tiene acostumbrados. Sin embargo, se sexto largometraje falla en los aspectos que manejó con gran efectividad en sus otros proyectos. El más grande problema de To the Wonder es que fuera de la espléndida cinematografía, sus personajes no cuentan con la profundidad necesaria para crear algún tipo de relación con la audiencia. En una película que narra algo tan íntimo como los problemas en una relación de pareja, es poco lo que se revela de los personajes principales. Es imposible identificarse con alguien que no conocemos, y de estos personajes no conocemos ni sus nombres.

Ben affleck y Olga Kurylenko protagonizan la película, mientras que Rachel McAdams y Javier Bardem emergen por aproximadamente quince minutos cada uno. El poco tiempo en escena de estos últimos pudo haber sido producto de la edición, aspecto en el que Malick no vacila a la hora de eliminar personajes enteros de sus películas. Este fue el caso del actor Adrien Brody, quien durante la premiere de la cinta The Thin Red Line se dio cuenta de que ya no era el personaje principal. Gary Oldman, Jessica Chastain, Mickey Rourke, Rachel Weisz, Viggo Mortensen y Michael Sheen son otros nombres que cuyos personajes han sido víctimas de las decisiones de Malick durante el proceso de edición.

Fueron estas decisiones las responsables del resultado final en To the Wonder, y el mismo es decepcionante. Una de las descripciones más utilizadas y en mi opinión una de las más acertadas, es que la película es una parodia del estilo visual de Malick. En otras palabras, la película mantiene algunas de sus características, pero no son suficientes para hacer que funcione. La típica escena del personaje caminando y meditando en un pastizal funciona unas pocas veces hasta que se siente completamente fuera de lugar.

No quiere decir, por supuesto, que un director debe ser fiel a un solo estilo. El problema con To the Wonder no es que quiera ser diferente, es que se esfuerza demasiado en ser una película de Malick y se olvida de sus personajes, cuyos momentos en escena son tan poco claros que parecen recuerdos proyectados en la pantalla grande.

Todos los grandes clásicos de ciencia ficción comparten una característica en particular, y es que todos trabajan algo nuevo y refrescante, nunca antes visto. Cintas como Star Wars, Alien y 2001: A Space Odyssey no tan solo presentaron algo nuevo, sino que aportaron enormemente al género cinematográfico, convirtiéndose algunos en títulos representativos del mismo.

El director estadounidense Joseph Kosinski demostró su habilidad de trabajar películas exclusivamente visuales con su primera película, Tron Legacy. Aunque cuenta con fallas en el guión, la secuela de Tron (1982) es, sin duda alguna, uno de los grandes logros visuales de los últimos años.

Su segundo largometraje, titulado Oblivion, presenta un planeta Tierra completamente destruido por la propia humanidad tras enfrentarse a una raza extraterrestre. Debido al uso de armas de destrucción masiva, la Tierra quedó inhabitable, por lo que gran parte de la humanidad emigró a una estación espacial llamada Tet.

Jack y Victoria, personificados por Tom Cruise y Andrea Riseborough, son un equipo encargado de extraer recursos vitales de la Tierra y la reparación de “drones”. A dos semanas de terminar su misión y regresar a casa, el hallazgo de una mujer que lo conecta con sus nubladas memorias de una vida pasada los obliga a Jack a buscar respuestas a la verdadera razón de su estadía en la Tierra.

La cinta cuenta con los visuales espectaculares que caracterizaron su cinta anterior, sin embargo, la historia toma prestado - para no sonar cruel - de muchos otros filmes de ciencia ficción. El guión de Kosinski está basado en una novela gráfica que él mismo escribió en el 2005 pero nunca publicó, por lo que sería poco acertado decir que la película “roba” ideas ya presentadas por otras películas del género.

Sin entrar en detalles, uno de los giros más importantes de la película fue trabajado tan reciente como hace cuatro años, resultando en una experiencia decepcionante para el que conoce esos otros filmes a los que Oblivion da la impresión de rendir homenaje. Para quien no está familiarizado con ellos, Oblivion será uno de las mejores experiencias en el cine este año, presentando visuales impresionantes complementados por un estilo de música similar al que utilizó en Legacy y resultó exitoso.

Las actuaciones, por otra parte, son uno de los puntos más altos al que logra elevarse la película. Tom Cruise, cuyas habilidades de cargar una película deben ser indudables, brinda una de sus mejores actuaciones en años, comparable con su trabajo en Minority Report, unos de los más aclamados filmes de ciencia ficción de la pasada década. El resto del elenco, el cual incluye a la ganadora del Oscar, Melissa Leo, logra destacarse sin quedar bajo la sombra del protagonista.

Oblivion triunfa en cada aspecto técnico, incluyendo la música original de la banda francesa M83, cuyo sonido electrónico encaja perfecto con la atmósfera en que se desarrolla la cinta. Aún en los momentos en que la música te saca de la película, es casi imposible dejar de admirarla. Es esto, las actuaciones y los visuales, lo que hacen de Oblivion una de las experiencias cinematográficas más satisfactorias de los primeros cuatro meses del año.

Mientras que es seguro declarar que Oblivion es casi un reciclaje de otras historias de ciencia ficción, sería injusto restarle crédito dónde lo merece; en el aspecto técnico, el cual está diseñado para dejar al espectador sin aliento.

Si pensabas que el clásico de horror de Stanley Kubrick era intocable, te equivocaste. En una exclusiva que seguramente provocará discusiones acaloradas entre cinéfilos, la revista digital Deadline anunció ayer jueves que el estudio Warner Bros. está listo para darle seguimiento a la precuela de uno de los más elogiados filmes de horror, The Shining.

Los productores de Shutter Island, Black Swan y Zodiac estarán a cargo de la producción de la precuela, mientras que el guionista de The Walking Dead, Glen Mazzara, estará a cargo de desarrollar el guión de la cinta. La búsqueda de un director, por su parte, recién ha comenzado pues el proyecto se encuentra en una etapa temprana de pre-producción.

Pese a que Stephen King, escritor de la novela original, se apresta a lanzar una secuela a The Shining titulada Doctor Sleep, el guión de Mazzara no estará conectado a esta nueva historia y explorará el misterioso hotel Overlook en lugar de los icónicos personajes, interpretados magistralmente por Jack Nicholson, Shelley Duvall y Danny Lloyd.

Detalles sobre esta nueva historia no han sido revelados, pero es seguro sugerir que la historia presentará un set completo de personajes nuevos en su estadía fatídica en el hotel.

La novela de King, por su parte, se enfocará en el personaje de Danny Torrance ya convertido en adulto y explorará las habilidades desveladas cuando niño durante los acontecimientos de The Shining.
 

El concurso LEGO® ReBrick le brinda la oportunidad a los fanáticos de LEGO para crear una escena de la película Warner Bros Picture y Village Roadshow.  Para participar en la convocatoria los interesados deben registrase en http://rebrick.com y producir un vídeo de 15 ó 30 segundos de duración. El clip debe estar basado en la escena de la película que muestra a los ciudadanos del universo LEGO® luchando para evitar una catástrofe indescriptible desmontando los elementos en su entorno para convertirlos en vehículos y herramientas fantásticas como cohetes, dragones y otras figuras, para participar en una batalla épica.

Utilizando sólo bloques y figuras LEGO®, los interesados en participar podrán seleccionar un personaje y establecer su secuencia de acción en alguno de los siguientes mundos de LEGO® – City, Space, Pirates, Western, Vikings, Dino, Castle, entre otros.  Después de crear y grabar el mundo seleccionado, deben colocar su vídeo en la plataforma de YouTube y marcarlo en la página de la competencia www.rebrick.com,

Los 25 vídeos que obtengan más “likes” serán evaluados por un panel de jueces, capitaneados por los escritores y directores de The LEGO® Movie, Phil Lord y Christopher Miller, respectivamente. 

La creatividad, originalidad, tema y adaptación a la película de los vídeo clips sometidos se tomarán en cuenta para escoger a los ganadores.

El ganador del primer lugar recibirá un viaje para dos personas donde podrán visitar  los estudios Warner Bros en Burbank, California. Tendrán una reunión con los directores de The LEGO® Movie y la oportunidad de participar en una construcción LEGO®. Además, se le hará entrega de una cámara LEGO creada en el taller de modelos LEGO y el vídeo podría ser editado e incorporado como parte de la secuencia de la escena de la gran batalla de la película.

Los ganadores del Segundo y tercer lugar, así como los seleccionados durante las semanas de duración de la competencia, también recibirán premios, entre éstos:  visitas a los estudios Warner Bros, memorabilia de The LEGO Movie, una tarjeta de regalo de $200 para comprar en la tienda on-line de Warner Bros y una participación en The Official LEGO® Channel de YouTube.  Los ganadores serán anunciados el 20 de mayo de 2013.

Todos los participantes deben tener 16 años o más para registrarse en http://rebrick.comy ser elegibles para participar.  Las inscripciones estarán abiertas del 25 de marzo al 6 de mayo de 2013.  Videos sometidos deben durar entre 15-30 segundos, deben ser filmados con una cámara de al menos 3.2 megapixels y deben encajar a 2.40:1.  Los videos  deben incluir sólo elementos de LEGO® según lo disponen las reglas ReBrick House y deben ser apropiados para niños.

Para más información favor acceder http://rebrick.it/Contesto http://rebrick.it/LEGOMovie

Danny Boyle es, sin duda alguna, uno de los directores más consistentes de hoy día. Desde Trainspotting, filme que lo colocó en el radar de cinéfilos en el 1996, el director británico ha logrado mantener un puesto entre los cienastas mejor cotizados, alzándose con un sinnúmero de reconocimientos entre los que figura un Oscar por su trabajo como director en el drama Slumdog Millionaire y una reciente nominación por el filme de drama y suspenso 127 Hours.

Tras casi tres años de ausencia en el cine, Boyle regresa a la pantalla grande con Trance, un thriller protagonizado por James McAvoy (Atonement), Rosario Dawson (Sin City) y Vincent Cassel (Black Swan).

La cinta, cuyo guión fue desarrollado por John Hodge (Trainspotting) y Joe Ahearne, cuenta como Simon (McAvoy), un subastador de arte asociado con un grupo de criminales con quienes intenta robar una valiosa pintura, pierde la memoria tras sufrir un golpe durante el atraco, olvidando donde colocó la obra “Vuelo de Brujas” de Francisco de Goya, pintura valorada en $30 millones de dólares. Es entonces cuando Simon y Franck (Cassel) deciden buscar la ayuda de una hipnoterapeuta para localizar la pintura extraviada, abriendo espacio para un relato lleno de codicia, traición, violencia y erotismo.

Trance llega en un momento crítico del año para el cine, pues los primeros meses del años suelen estar plagados de títulos débiles, cuyo propósito es rellenar los meses antes del verano, cuando empiezan a estrenar los proyectos destinados a adueñarse de la taquilla.

Es seguro expresar que Trance no es el mejor trabajo de Danny Boyle, pero tampoco sería justo decir que no funciona, pues sería negarle crédito a un geniuno intento de presentar una historia compleja e inteligente en un momento en el que la taquilla es dominada por “remakes” y adaptaciones literarias cuyo único propósito es recaudar dinero.

Entre lo que sobresale del filme se destacan las actuaciones, tan buenas como para sumergirte en una historia con muchas capas que en ocasiones es víctima de su propia ambición. Rosario Dawson ofrece lo que debe ser la actuación de su aún joven carrera como la hipnoterapeuta de Simon, quien rápidamente se encuentra involucrada en la búsqueda de la pintura por razones que durante la mayor parte de la película no son claras.

La mayor parte del filme se desarrolla dentro de la mente del protagonista, mientras Elizabeth (Dawson), practica hipnosis en él para ayudarlo a recordar donde se encuentra la pintura extraviada. Es dentro de estas recreaciones donde el espectador descubre detalles del incidente que lo harán desconfiar de cada uno de los personajes.

La atmósfera del filme se asemeja a la de Trainspotting, filme en el que los personajes - dirigidos por sus vicios y necesidades – son una caja de sorpresas. Es casi imposible predecir las decisiones de los personajes o conocer la razón detrás de una decisión. Este es el juego que Danny Boyle quiere que juguemos con él. Es nuestro deber, como audiencia, ir montando el rompecabezas con las piezas que la narrativa nos provee.

Aunque no se acerque a la calidad de sus mejores trabajos, Trance es una buena película confeccionada por uno de los mejores cineastas contemporánemos y un elenco de alta calidad.

Al finalizar sus estudios en dirección de cine en California, el puertorriqueño Javier Colón Ríos tenía el sueño que la mayoría de los cineastas guardan. El de conocer un productor o director que te extiende la mano y te invita a trabajar.

Pero no fue así; Colón se percató de que cada vez se almacenaban más cineastas en el notorio café “Starbucks” en Hollywood y que la utópica idea de los cineastas no existía. Fue así como decidió que, en lugar de pelear con el millón de cineastas que se encontraban en Los Ángeles, era mejor pelear con los quince de Puerto Rico.

El cineasta entonces regresó a la Isla, con un guion en mano, una oferta de trabajo para ser profesor en la Universidad del Sagrado Corazón y una producción que le sirvió de tesis para obtener su grado en el American Film Institute, y en la cual fungió como director y guionista. De pura cepa es el nombre de esa primera producción con la cual Colón comenzó su carrera. El cortometraje obtuvo el premio de Mejor Corto Extranjero en el Big Island Film Festival en Hawái y también tuvo reconocimiento en el Rincón Film Festival en Puerto Rico.

Alentado por el respaldo a su obra, tomó la determinación de trasladar SpanglishFilms -la casa productora que ya había comenzado en Los Ángeles- a Puerto Rico y así comenzar a trabajar en su segunda producción titulada Es mejor escucharlo. Esta le trajo, posteriormente, una multiplicidad de logros; desde el Silver Palm Award, en México, hasta el Rincón Film Festival y el Cinefiesta en Puerto Rico. Además, fue adquirido por el Shorts International y Short Film Corner en el Festival de Cine de Cannes.

Al contar no solo con el aval del público, sino a su vez con la aceptación de un jurado especializado, Colón decidió lanzarse a hacer su primer largometraje titulado I am a director. Según el director, la película es una burla de su persona y las situaciones que los directores fílmicos enfrentan al hacer una producción.

“Siempre he tenido la suerte que he podido contar historias que signifiquen algo para mí, de manera que estoy en las historias”, argumentó. El director explicó que en el caso de De pura cepa tuvo la oportunidad de narrar su transición y experiencia al mudarse de Puerto Rico a los Estados Unidos. En Es mejor escucharlo, su segunda producción, Colón recordó que trataba de una experiencia que tuvo con su padre. “Esta vez, con I am a director, estoy burlándome de mí mismo o un punto de vista de lo que para mí es el cine”, añadió.

El lanzamiento de este largometraje le brindó la oportunidad de visitar Egipto y presentar su filme en la trigésima quinta edición del Cairo International Film Festival, bajo la categoría World Cinema, siendo la primera película puertorriqueña en lograr dicho reconocimiento.

Para Colón, lo más significativo de su visita a Egipto fue ver cómo los árabes se reían de los chistes de su filme, teniendo en cuenta las diferencias culturales. Además, la película fue selección oficial del Festival Cinequest en San José, California, y también fue galardonada como Selección del Público en el Festival Internacional de Cine Fine Arts en Puerto Rico.

EL CINE EN PUERTO RICO

Según Colón, en Puerto Rico hay una impresión del cine que no es real, pues opina que “la gente no conoce que hay cine bueno”. Según indica, el factor principal para esta percepción, es que las películas no llegan al cine, se quedan engavetadas en el cuarto de los cineastas. “Pero esto está cambiando para bien”, mencionó esperanzado.

Uno de los señalamientos realizados por el artista a la industria de cine local es que no hay suficiente ayuda a la hora de distribuir el trabajo final. Asimismo, indicó que este hecho impide que el público puertorriqueño tenga acceso a producciones nacionales y entienda que hay otro cine, además del hollywoodense.

El profesional del séptimo arte opinó que para él la parte más importante de una producción cinematográfica es el guión. “Si no tienes un guión, no tienes nada. Puedes tener el equipo más grande, pero si no tienes una historia de nada te vale, se va a ver bonito y ya”, argumentó.

A pesar de las dificultades que enfrentan los hacedores del cine en Puerto Rico, el guionista le avizora un porvenir promisorio al cine local. “Creo que estamos en el momento donde comienza el futuro del cine. Si quieres hacer cine, es ahora”, dijo. Además, comentó que regresó a Puerto Rico en el 2009, donde por lo contrario hubiese tenido un tres por ciento de probabilidad para hacer un largometraje y a lo mejor un 20 por ciento de hacer un corto. “Todos los caminos me dijeron que volviera”, finalizó.

Tras el éxito de la recién completada saga de Twilight, era inevitable que los otros trabajos de Stephenie Meyer fueran transferidos a la pantalla grande. A menos de un año desde el estreno del último capítulo de la saga de vampiros y hombres lobo, llega a los cines de Puerto Rico la cinta de ciencia ficción y romance, The Host.

Con una duración de dos horas, la película presenta un mundo en que la humanidad, como se conoce hoy día, está al borde de la extinción. Los responsables; una raza alienígena cuya única manera de sobrevivir es habitando un cuerpo extraño, sin dejar rastro de la persona a la que una vez perteneció ese cuerpo. Melanie, sin embargo, cambia las reglas del juego al no permitir que su cuerpo sea completamente secuestrado. La razón para dar la pelea: una promesa que le habría hecho a su hermano pequeño Jamie y su interés amoroso, Jared.

Previo a escribir esta reseña, me propuse evitar las comparaciones con la saga de Twilight, lo que entiendo sería injusto para la autora de ambas obras, Stephenie Meyer. Sin embargo, es necesario hacer hincapié en que en las dos historias se intenta desarrollar una historia que sólo existiría en obras de ficción, alrededor de un romance que intenta cautivar, con éxito, a la audiencia joven.

¿Funciona? Tomando en cuenta el éxito de filmes como Twilight y la más reciente, The Hunger Games, es seguro decir que han logrado su propósito de convertirse en éxitos taquilleros, pero a su vez fallan a la hora de complacer a un público más exigente.

Imagina poder escuchar los pensamientos del cuerpo secuestrado de la protagonista mientras una entidad extraña intenta poseerlo. Esto, acompañado de un efecto de eco para poder diferenciar entre las dos voces, resulta cómico en lugar de ingenioso. A eso añádele que de no ser por el eco, resultaría imposible poder distinguir la voz de la extraterrestre de la voz de Melanie.

El problema radica en el guión de Andrew Niccol y Meyer, pues no hace el más mínimo intento de otorgar características propias que diferenciaran a Melanie de Wanda, sobrenombre que recibe la alienígena que se hace llamar "Wanderer".

Como Wanda, la joven actriz Saorise Ronan (Hanna, Atonement) hace lo que puede con el pobre material que tiene para trabajar. De hecho, las actuaciones aquí son lo suficientemente buenas como para mantenerte atento. Diane Kruger (Inglourious Basterds) como “The Seeker” y William Hurt (A History of Violence) como Jeb, líder de una comunidad de sobrevivientes, brindan las dos actuaciones más memorables de la película, aún cuando sus personajes parecen actuar sin motivación alguna, o al menos no evidente. El desarrollo de los personajes, juntos con el de la historia de la invasión, pasan a segundo plano para enfocarnos en el romance entre Melanie y Jared.

Entre las cosas que no funcionan se debe señalar el mundo que han creado los intrusos en la Tierra, en el cual todo es plateado; desde la vestimenta hasta los vehículos de motor. El corto alcance de la creatividad de Meyer es evidenciado en este mundo, el cual se asemeja a uno creado para alguna serie o película que parodie la idea de un mundo futurístico en el cual todo es cómicamente simple, cuadrado y plateado.

Las escenas románticas no pueden faltar en el trabajo de Meyer, y en ocasiones da la impresión de querer insertar a la fuerza un triángulo amoroso, partiendo de la idea de que el cuerpo de Melanie es ahora habitado por dos almas, cada una con sentimientos propios. La idea resulta en una de las escenas más memorables de la película, pero no necesariamente porque funcione.

Desafortunadamente, The Host no ofrece nada que no hayamos visto antes en mejores esfuerzos. Son las aceptables actuaciones y la premisa interesate - aunque no bien desarrollada - lo que evita que The Host sea un rotundo fracaso.

Olympus Has Fallen es la más reciente película de acción de Antoine Fuqua, director de Training Day, y constituye en el regreso - en términos de violencia - a las películas de acción de los 90.

Protagonizada por Gerard Butler, Aaron Eckhart y Morgan Freeman, la cinta cuenta la historia de un agente del Servicio Secreto (Butler) y su intento de salvar al presidente de los Estados Unidos (Eckhart), quien se encuentra secuestrado por terroristas en la Casa Blanca.

Aunque el guión en ocasiones raya en lo absurdo y lo poco creíble, Olympus has Fallen es una cinta de acción bastante sólida que transportará a su audiencia a los finales de los 80 y comienzos de los 90, década caracterizada por este tipo de película de acción, iniciado por el clásico Die Hard. La comparación, aunque parezca extraña, se debe a que ambos filmes utilizan el concepto del policía que busca convertirse en héroe con poca o ninguna ayuda.

Por supuesto que Die Hard es mucho más que eso, por lo que puede resultar comparar uno de los más grandes clásicos de acción con un filme que solo logra emular el exterior de una idea. Mientras que Die Hard dio vida a un subgénero, la cinta de Fuqua no aporta nada al género de acción.

La película no es tímida a la hora de ser violenta. Con una clasificación "R", podría ser una de las películas más violentas desde el filme indonesio, "The Raid: Redemption". La sangre CGI, por su parte, resulta ser una decepción.

El elenco, compuesto por actores respetados, hace milagros con un guión defectuoso, plagado de “one liners” y situaciones ilógicas. No hay que ser experto en seguridad para reconocer que las situaciones que se desarrollan en la película son inexactas y poco probables. Los terroristas, convenientemente norcoreanos, ocupan la Casa Blanca con una facilidad increíble.

En el departamento de los efectos visuales, la película deja mucho que desear. Todo la acción que ocurre fuera de la Casa Blanca se confeccionó con pantalla verde y falla a la hora de convencer.

Sin embargo, el propósito de la película no es otro que entretener a una audiencia con antojos de acción de principio a fin. En este aspecto, “Olympus Has Fallen” no decepciona. Son dos horas llenas de acción que, aunque no estimulan el pensamiento crítico, cumplen con el propósito de entretener al público.

Lejos de ser la peor película del año, Olympus Has Fallen podría ser descrita como promedio. Es de esas películas que desaparecen después de haberla visto. Con esto en mente, es seguro decir que en unos meses nadie se acordará de ella.